Música Principia

“Nacido con un alma normal, le pedí otra a la música: fue el comienzo de desastres maravillosos...”. E. M. Cioran, Silogismos de la amargura.

"Por la música, misteriosa forma del tiempo". Borges, El otro poema de los dones.

lunes, 31 de mayo de 2010

Horror silentii, horror corporis


Horror vacui en las artes plásticas, horror silentii en la música. En el barroco terminal, la saturación y poblamiento integral de ornamentos era ley canónica. Virtuosismo que evidenciaba el dominio no sólo de la forma, sino también de las leyes que regían el andamiaje formal. Vuelvo a escuchar Cadrò, ma qual si mira de la opera Berenice de Francesco Araia (1709-1770), cantada por Cecilia Bartoli. Me impresiona el desenvolvimiento de la gran mezzosoprano romana, una voz que canta y piensa. Y me impresiona aun más el origen de estas arias, concebidas para esas máquinas parlantes que eran los castrati. 

Escucho una y otra vez Cadrò, ma qual si mira. Me sobrecoge la complejidad, la saturación, lo que implica cantarla, lo que significó concebirla. Y me sobrecoge más saber que quienes cantaban estas arias eras humanos a quienes se le negó una parte de su ser. Un sacrificio por la música que, estoy seguro, la música no exige. 


Cadrò, ma qual si mira


Cadrò, ma qual si mira
Parte cader dal monte
Della sassosa fronte
Che quant'a lei s'oppone
Urta, fracassa e seco
Precipitando va.

E se non resta oppresso
Dalla fatal ruina,
Sente da lunge anch'esso
Attonito 'l pastore
Lo strepito del colpo
Ch'impallidir lo fa.

Traducción

Caeré, igual que se ve
caer de la montaña
parte de la cima rocosa,
que cuanto encuentra a su paso
golpea, destroza
y arrastra consigo en su despeño.
Y si no queda aplastado
por la destrucción fatal,
el atónito pastor
oye también a lo lejos
el estrépito del impacto,
que le hace palidecer.



viernes, 28 de mayo de 2010

11 años

Sólo once años tenía cuando compuso Apollo et Hyacinthus KV 38. Dudo si alguno de nosotros sería capaz de crear algo similar según nuestra ocupaciones a esa edad. Este entreacto operesco  fue estrenado en la Universidad de Salzburgo, donde Leopoldo, su padre, se había graduado de  Bachiller en Filosofía. De ahí la familiaridad con el claustro académico de su ciudad natal. Para bien de la historia de la música y para el bien de nuestras almas, Leopoldo no pudo acceder a la licencia en filosofía y derecho por cuitas hoy anecdóticas. Por lo tanto, tuvo que aprender a ganarse la vida como músico, oficio que había conocido en el Gymnasium de San Salvador confiado a la Compañía de Jesús. Con los años, Leopoldo reconstruyó sus relaciones con la universidad logrando que ésta le solicitara, entre otras cosas,  dos composiciones a su virtuoso Amadeus. 

La cátedra de sintaxis latina la llevada el padre Rufino Widl quien elaboró un libreto sobre la Metamorfosis de Ovidio, especialmente sobre el mito de Apolo y Jacinto. Tanto el libreto como la pequeña opera,  eran utilizados como recurso pedagógico. Una forma de hacer significativo el aprendizaje sobre los diversos tópicos de la cultura clásica. El casi anónimo padre Widl no sabía que quien iba musicalizar este drama era un niño, el que pronto llegaría a ser uno de los seres humanos más admirados y queridos. Mozart tenía sólo 11 años. 

Duo entre Oebalus y Melia

OEBALUS
Mi hijo ha muerto
y el dios,
sin que yo lo quiera,
sin que yo lo sepa,
nos ha dejado ofendido.
Sin la protección del dios,
mi reino no existirá por mucho tiempo.
¡Oh, dios, te lo imploro, déjate conmover
y vuelve a nosotros!

MELIA
Mi hermano
muerto y,
por orden tuya,
para mi tormento,
mi pretendiente me ha dejado.
Novia sin prometido,
te pregunto, ¿quién te querrá?
¡No castigues a tu bien amada!
¡Divinidad! ¡Vuelve con nosotros¡

Acto III dúo entre Oebalus y Melia. Opera: Apollo et Hyacintus. W. A. Mozart

miércoles, 26 de mayo de 2010

Una aria de Bach en una mañana oscura

Hoy estás más presente que nunca, aun cuando la muerte se haya convertido sólo en un hecho natural. Al oír tu canto descubro que hubo un tiempo en que la muerte podía ser algo más que la simple muerte. Una puerta hacia algo que sólo el corazón es capaz de reconocer vivamente. Tu canto atraviesa el tiempo y el espacio, se erige sobre el mundo uniendo lo inmanente con la trascendente. 

Esa aria profunda, llena de devoción, de amor, de valor, es la demostración que historia humana no ha de pasar en vano. También, que la belleza no desaparecerá de la constitución del ser, junto al bien y a la verdad. La belleza que tu creaste sólo fue posible porque tu canto miró lo bueno-bello de frente. Y, después de esa visión directa, el obrar de tu mente se tradujo en una aria, en una pasión y en 1080 razones que son un sólo canto hacia el absoluto hecho persona. Cómo quisiera abrazarte, cómo quisiera alguna verte y decirte cuánto alegría verdadera has traído a la vida de tantos. "Padre" Bach que estás en nosotros. 

Erbarme dich, aria 39 de la Pasión Según San Mateo BWV 244. Contralto: Julia Hamari. Dirige: Karl Richter.




Ten piedad de mí, Dios mío,
advierte mi llanto.
Mira mi corazón
mis ojos que lloran amargamente ante Ti.
¡Ten piedad de mí!

lunes, 24 de mayo de 2010

Scherza infida in grembo al drudo

8 de enero de 1735. La temporada del Covent Garden se inició con Ariodante. El éxito fue inmediato. Once representaciones seguidas lo atestiguan. Después de ello, un enorme intervalo de más de dos siglos. Nadie menciona a la opera seria del "sajón". Fue hacia la década de 1970 que el drama del turbado príncipe Ariodante es vuelto a conocer. La fama es creciente. La terrible Scherza infida in grembo al drudo se convierte en objeto de devoción generalizada. Como toda aria de Haendel esta en las alturas de la eficacia  temeraria. Gran aria, gran opera, grande, muy grande compositor. 


Un iracundo Ariodante se siente decepcionado de la supuesta traición de Ginevra y canta: 

Scherza infida in grembo al drudo
Io tradito a morte in braccio
Per tua colpa ora men vo.
Ma a spezzar l'indegno laccio,
Ombra mesta, e spirto ignudo,
Per tua pena io tornero.

Traición traducción


La  amante infiel  tiene un niño en su vientre.
Me ha traicionado a muerte en sus brazos.
El engaño lo permitieron ustedes
mientras las horas transcurrían.
Pero para romper el lazo vergonzoso
he de castigarla y yo seré
una sombra triste, sin cuerpo ni espíritu.

Scherza infida in grembo al drudo. Opera: Ariodnate HWV 33. Georg Friedrich Haendel. Canta: Tatiana Troyanos

viernes, 21 de mayo de 2010

20 obras fundamentales de Bach. Una modesta opinión.

Me preguntan cuáles podrían ser las 10 obras fundamentales de Bach. Frente a un catálogo de cerca de 1100 composiciones es una tarea complicada y arriesga,  más aun tratándose de Bach.  Sólo soy un melómano apasionado y no un musicólogo especialista en música académica. Haciendo esta salvedad, me aventuro a presentar no 10 sino 20 composiciones que considero insoslayables dentro de la enorme producción del gran músico alemán. Aquí esta lista llena de subjetividades y sin orden jerárquico

1.   La Pasión Según San Mateo BWV 244
2.   Misa en Si Menor BWV 232
3.   Seis Conciertos de Brandenburgo BWV 1046-1051
4.   Seis Suites para Violonchelo BWV 1006-1012
5.   Cantata: Herz und Mund und Tat und Leben BWV 147
6.   Cantata: O Ewigkeit, du Donnerwort BWV 20
7.   Variaciones Golberg BWV 988
8.   Magnificat BWV 243
9.   La Pasión Según San Juan BWV 245
10. Oratorio Navidad BWV 248
11. Partitas para violín solo BWV 1001-1006
12. Aria del Cuaderno de Ana Magdalena Bist du bei mir BWV 508
13. Concierto para dos violines en Re Menor BWV 1043
14. Concierto para Violín en Mi Mayor 1042
15. Partita para Flauta BWV 1013
16. Invenciones para Clavecín  BWV 772-786
17. Oratorio de Pascua BWV 249
18. Cánones BWV 1072-1078
19. La Ofrenda Musical BWV1079
20. El Arte de la Fuga 1080

Allegro- Sonata sopra il Soggetto Reale. La Ofrenda Musical BWV 1079. Una de las cosas más bellas creadas en el universo. Versión: Jordi Savall





miércoles, 19 de mayo de 2010

Lo que el hombre me dice

Langsam Sehr-Misterioso (Muy lentamente, misterioso). Llegamos al cuarto movimiento. La aventura de lo real se manifiesta con una visión de la totalidad desde un presente humano que observa el devenir. La conciencia del hombre sobre si mismo es conciencia de lo que es. Mahler medita sobre ese sentido iluminado por Nietzsche y canta en la palabra del poeta-filósofo:O Mensch! Gib acht!. Lo demás viene por ese dolor que, al ser atendido, es conciencia de la eternidad. 

Oh, Hombre! ¡Presta atención!
¿Qué dice la profunda noche?
¡Yo dormía!
¡Me desperté de un sueño profundo!
¡El Mundo es profundo!
¡Y más profundo de lo que el día recuerda!

¡Oh, Hombre! ¡Presta atención!
¡Profundo es tu sufrimiento!
¡La alegría es más profunda que la pena!
El sufrir habla:¡Desaparece!
Pero toda alegría busca la eternidad,
¡Una eternidad profunda, profunda eternidad!


(Friedrich Nietzsche, Así hablaba Zaratustra)

Sehr langsam. Misterioso. Durchaus ppp. "O Mensch!". Sinfonía N.º 3 en re menor de Gustav Mahler. Dirige: Claudio Abbado.

lunes, 17 de mayo de 2010

Bach por Debussy



Escribe Debussy: " Miremos hacia Bach, el buen dios de la música, a quien los compositores deberían dirigir una oración antes de ponerse al trabajo, para que los proteja de la mediocridad; miremos hacia su voluminosa obra, en la cual encontramos a cada paso cosas que están tan vivas como si hubieran sido escritas ayer mismo, empezando por los caprichos arabescos hasta llegar a aquel torrente religioso a cuyo lado todavía no hemos podido colocar nada mejor." (Claude Debussy, Sobre el Gusto). Recalco del juicio de Debussy lo siguiente: "dirigir una oración antes de ponerse a trabajar, para que los proteja de la mediocridad". Qué conciencia la de el gran compositor francés; conciencia de la magnitud de lo que se valora. Librarnos de la mediocridad en la que es muy fácil caer hoy en día. 

Partita para flauta en la menor BWV 1013. Los movimientos: allemande, courrente, sarabande, bourrée anlgais. Monumento a la perfección con un sólo instrumento. 


Allemade y courrente




Sarabande y bourrée anglais

viernes, 14 de mayo de 2010

BACH

Escribir su nombre en lo alto. Si se puede, llamar a una galaxia con su nombre. O, quizás, a una región del universo. En una célebre entrevista,  el pensador rumano Emil Cioran fiel a su estilo visceral afirmaba  que en Bach " Todo es profundo, real, sin teatro... Si existe un absoluto, es Bach. No se puede tener ese sentimiento con una obra literaria, hay textos, pero no son formidables. El sonido lo es todo. Bach da un sentido a la religión. Bach compromete la idea de la nada en el otro mundo". Y, en tono confesional, el autor de Ese Despreciable Yo terminaba diciendo: "Sin Bach yo sería un perfecto nihilista"

Siguiendo a Cioran, ciertamente  hay bellos textos, hermosos poemas. También gran pintura, escultura, etc. Pero de todo lo que ha hecho el ser humano, se evidencia una presencia "formidable", algo que es tan grande, hermoso, perfecto, que resulta increíble que uno de nosotros lo haya podido concebir. Y esa es la obra de Bach. Admirar la creación de este hombre escapa a una consideración cultural. La obra de Bach no es de Alemania, ni patrimonio exclusivo de occidente; la obra de Bach nos pertenece a todos, pues la creación "formidable" es de todos y nos representa, de la mejor manera, a todos. 

¿Por qué es tan grande la música de Bach? Esa esa una tarea que cada amante de la música, del arte, de la vida, del pensar y de Dios, debe descubrir por si sólo. En mi caso, Bach es una vía para entender y para amar. Ese sencillo hombre escribió el Quinto Evangelio, el evangelio que anuncia por el cosmos la reconciliación final en la fiesta celeste. La alegría profunda en la unidad recobrada entre el Creador y su Creación. 


Suite para violonchelo n.º 6 en re mayor BWV 1012. Violonchelo Mstislav Rostropovich. Partes: Prelude, Allemande, Courante, Sarabande, Gavotte y Gigue.







miércoles, 12 de mayo de 2010

Orígenes en la danza

Las cuatro suites para orquesta de J. S. Bach ocupan un lugar importante en el repertorio del barroco tardío. Se cree que fueron compuestas durante el periodo en el que el maestro vivió entre Köthen y Leipzig, es decir, entre 1729 y 1739. Debido a la longitud de tiempo, es poco probable que el músico haya concebido la suites orquestales como una obra integral; tratándose más bien de una serie de oberturas compuestas de manera aislada pero bajo principio de la suite que, como sabemos, tiene su origen en la danza. 

Cada una de estas suites son muy conocidas y valoradas. Sin embargo, la más célebre de todas es la Suite N.º 3 en re menor BWV 1068. La fama de la tercera suite proviene de la bella e insuperable  aria (no en el sentido cantado) que contiene esta composición, la misma que ha sido orquestada y versionada de muchísimas formas. Las partes  Suite N.º 3 en re menor BWV 1068  son las siguientes: 1. Ouverture, 2. Air, 3. Gavotte de I / II, 4. Bourrée, 5. Gigue. 

Overture (Obertura)



Air (Aria)



Gavotte I y II (Gavota)



Bourrée



Gigue (Giga)

lunes, 10 de mayo de 2010

Señorío sin servidumbre

"Mein Herr Domini" (Mi señor Señor), así le llamaba Brahms a Schumann con afecto casi filial. Schumann había escrito proféticamente en su célebre Neue Zeitschrift für Musik : "Inclinaos, estáis ante un elegido". Nobleza entre gigantes sin mezquindad. Pues sólo alguien de la estatura de Schumann pudo ser capaz de reconocer la grandeza del joven Brahms. Brahms, cuya obra esta ahí, en lo alto, junto a la de Bach, Mozart y Beethoven. Y sólo alguien como Brahms podía aceptar la noble filiación con Schumann y, partir del él, con la tradición. Brahms bebió a Beethoven y a Schubert de la mano de Schumann. Me encanta imaginar esta escena. Robert y Clara Schumann acogiendo al agreste Johannes en su casa y, lejos de asumirse superiores, hacen todo lo posible para que el genio llegue a ser todo lo que podía ser. ¡Qué importante es en la vida que los Brahms se encuentren con los Schumann ! Es decir, que los talentosos se encuentren con algunos que, al mismo tiempo, tienen talento y bondad. "Para admirar hay que tener grandeza"-escribía Sabato en Abbadón, el Exterminador. Grandeza de corazón para admitir que el otro es mejor que uno, que el otro es particularmente talentoso. 

La riqueza de esta lección de vida no se quedó en la ayuda y el afecto admirado de los esposos compositores (Robert y Clara) al joven músico. Cuando Brahms había alcanzado el éxito y reconocimiento nunca se olvido de la mano que le tendieron ambos amigos. Lloró la enfermedad y muerte de Robert Schumann y acompañó fraternalmente y fielmente a la viuda, aun cuando en algún momento sintió un afecto mayor por la interesante  Clara Wieck (viuda de Schumann ). 

La gratitud que tuvo Brahms por Schumann se hizo patente de varios modos. El musical no podría ser la excepción. Por ejemplo, en el Concierto para piano N.º 1 en re menor Op 15, estrenado en 1859 tiene la impronta del homenaje al amigo. Esto se hace más evidente en el adagio que tenía como añadido al comienzo del tiempo: "Benedictus qui venit in nomine Domini", en alusión al "Mein Herr Domini" que habitualmente usaba Brahms con Schumann. La obra empezó a ser compuesta en 1854, cuando aun estaba vivo Schumann y es una muestra del momento más romántico de Brahms; romanticismo radical que irá dejando de lado en la medida que redescubra la tradición clásica y barroca. Con todo, la carga afectiva se evidencia a lo largo de toda esta obra, el primer gran paso hacia el monumental concierto para piano en si bemol mayor. El concierto para piano en re menor tiene los siguientes movimientos: Maestoso, Adagio y Allegro ma non troppo. 

De las versiones de este monumento concertante, me encanta junto a la Barenboim-Celibidache, la de Gilels -Jochum que ahora presento. Sin embargo, en varios momentos, uno llega a pensar que no hay versión más lograda en muchos sentidos que ésta. El Maestoso es soberbio. Y este Adagio debe ser una de las cimas de la historia humana. Todo canta, todo duele, todo se eleva. 

Maestoso. Concierto para piano N.º 1 Op 15 en re menor. Johannes Brahms. Piano: Emil Gilels. Dirige: Eugen Jochum.







Adagio.Concierto para piano N.º 1 Op 15 en re menor. Johannes Brahms. Piano: Emil Gilels. Dirige: Eugen Jochum. Una de la cimas humanas, más allá de la misma música.





Allegro ma non troppo. Hermosa metáfora del amor y la amistad y su deseo de trascendencia.



viernes, 7 de mayo de 2010

Entre Florestán y Eusebius

Fantasiestücke Op 12, compuesto entre 1836 y 37. ¿Habrá alguien más cercano al evangelio romántico? No. Schumann fue el más romántico, romántico hasta la locura. Incluso más que el enorme Chopin, pues  éste sólo fue romántico hasta enfermedad incurable.Y la locura es un paso más allá, superior al de la muerte. En este soberbio Op 12 todavía no hay intento de suicidio que se  vislumbre, la bella y talentosa Clara Wieck aun no se transforma en la dignísima "señora Schumann". Las Fantasiestücke estuvieron dedicadas a Anna Robena Laidlaw, pianista y amor de juventud del compositor. Esta colección de piezas están basadas en el libro del conocido escritor romántico E. T. A Hoffmann "Fantasías a la manera de Callot", obra favorita de Schumann por aquellos años. De la lectura de esta obra, Schumann elaboró varios cuadros pianísticos de motivación incidental que se titulan: Des Abends, Aufschwung, Warum?, Grillen, In der Nacht, Fabel, "Traumes Wirren y Ende vom Lied. Como ocurría con Schumann esta obra fue compuestas por dos de sus alter ego: Florestán y Eusebius. Rarus no aparece en esta obra. 

De las Fantasiestücke Op 12 tengo predilección por Des Abends y por la intensa In der nacht, dos extremos de gran músico de los extremos. En el primero, Eusebius se acerca a la experiencia del anochecer en clave mística y contemplativa. En el segundo, Eusebius y Florestán dialogan entre la calma y la pasión nocturna. La ambigüedad y todas sus indefiniciones. ¡Qué legos del mediodía mozartiano!

Des abends (en el anochecer) Fantasiestücke Op 12. Piano: Arthur Rubinstein



In der Nacht (en la noche). Fantasiestücke Op 12. Piano: Arthur Rubinstein. Impresionante y profundo el gran maestro del piano.

miércoles, 5 de mayo de 2010

¡Brahms ha llenado de dinamita el tren!

Esa fue la frase furibunda que Hans Rott (1858-1884) pronunció en su última aparición pública. Ocurrió que un pasajero empezó a fumar dentro del vagón. Al joven Rott le incomodó el olor  del humo del tabaco y se lanzó sobre el fumador. Los demás pasajeros lo cogieron a la fuerza mientras gritaba: "¡Brahms ha llenado de dinamita el tren!". Después de este incidente, Hans Rott fue confinado en un sanatorio para enfermos mentales. A pesar de la mejoría que experimentó tras el tratamiento, Rott se hundió en una depresión más severa un tiempo después. Finalmente, murió de tuberculosis y en estado de demencia absoluta. 

¿Por qué la animadversión contra Brahms?  Rott había compuesto el primer movimiento de su única sinfonía para un concurso de compositores en Viena. Los miembros del jurado, apagados apegados a una tradición academicista, fueron muy duros con la obra, menos Anton Bruckner quien le dio su voto a favor. A pesar de este revés, Rott concluyó su sinfonía en 1880. La presentó al director Hans Richter y al músico vivo más importante en Viena: Johannes Brahms. Brahms se enteró del juicio de Bruckner y vetó la obra de Rott. De igual modo, Richter también se negó a interpretarla. Me resulta extraña la actitud de Richter frente a Rott. Richter se encontraba más cercano en términos estéticos al joven compositor. En 1876 dirigió el estreno del El Anillo de los Nibelungos de Wagner en el teatro-santuario de Bayreuth. De ahí la cercanía estética con el autor de la saga operística. De modo similar,  Rott  profesaba una admiración enorme por Wagner; admiración que compartía el célebre Richter. Probablemente Richter no quería enemistarse con Brahms, con quien le unía una gran amistad. La posible influencia de Brahms sobre el juicio de Richter, fue la causa de la ojeriza de Rott contra el gran compositor. 

Nunca sabremos si la actuación de Brahms en ese incidente fue cierta o si los fantasmas que torturaban al joven Rott eran más grandes que la realidad. En todo caso, si Brahms hubiese interferido en la decisión de Richter de negarse a estrenar la sinfonía, no era razón suficiente para la posterior demencia de Rott. El joven compositor acarreaba serios problemas mentales que le impedían superar las inevitables dificultades de la vida. 

Con todo, músicos cercanos a Hans Rott como Bruckner y Mahler vieron en su obra la presencia evidente del talento. Sobre todo Mahler quien manifestó una gran admiración por su paisano. Ese sentido, Mahler dijo de Rott lo siguiente: "Es completamente imposible estimar lo que la música ha perdido en él: su genio se eleva a tales alturas, incluso en esta primera sinfonía, escrita a la edad de veinte años. Es - sin exagerar -el fundador de la nueva sinfonía como yo lo entiendo. ". Evidentemente si un compositor de la envergadura de Mahler llegó a decir esto es porque Rott fue una de las grandes promesas - truncas- de la historia de la música. 

De las pocas obras que se han grabado de Rott destaca la composición mencionada líneas arriba: La sinfonía N.º 1 en mi mayor, obra que nos lleva necesariamente a Mahler con quien comparte varios elementos en común. Incluso, al escuchar esta obra, uno se pregunta quién influenció a quién. La sinfonía en mi menor de Rott está conformada por los siguientes movimientos: Alla breve, Sehr langsam, Scherzo: und lebhaft Frisch Sehr langsam / Belebt.  Recién en 1989, la Orquesta Filarmónica de Cincinatti estrenó esta sinfonía. Desde aquel año,  se conocen 7 versiones de esta obra. 

Primer movimiento: Alla breve



Segundo movimiento: Sehr langsam. Intenso y melancólico.



Tercer Movimiento: Scherzo: und lebhaft Frisch. Impresionante.





Cuarto movimiento: Sehr langsam / Belebt



lunes, 3 de mayo de 2010

Una primavera oída en el otoño

De las diez sonatas para violín y piano de Beethoven, la más célebre -sin duda- es la número 9 en la mayor Op 47, llamada "Kreutzer". Le sigue en celebridad, la sonata para piano y violín en fa mayor número 5 Op 24 "Primavera". Compuesta en 1801, antes del doloroso Testamento de Heiligenstadt, nos muestra uno de los rostros más amables de Beethoven. Aun cuando el infortunio es evidente en la vida privada, el maestro logra ocultar la desdicha dentro de un canon que aun evidencia la idea clásica de belleza. De ahí que la obra sigue los patrones del clasicismo vienes. Las presencias de Haydn y de Mozart transfigurado son claras. La continuidad es diáfana y por ello es una obra fácil de comprender y disfrutar. 

Los movimientos de la sonata para piano y violín en fa mayor número 5 Op 24 son los siguientes: Alegro, Adagio molto expresivo, Scherzo : Allegro molto y Rondo : Allegro ma non troppo. Me encanta el adagio molto espresivo, en sus últimos compases el aura de misterio se construye a partir de elementos mínimos. Beethoven siempre supo como llevarnos a brumas insoldables. 

Allegro. Sonata para piano y violín en fa mayor número 5 Op 24 "Primavera". Ludwig Van Beethoven. Violín: Anne Sophie Mutter. Una manera de enfrentar el día con el alma bien puesta. 



Adagio molto espresivo.Sonata para piano y violín en fa mayor número 5 Op 24 "Primavera". Ludwig Van Beethoven. Violín: Anne Sophie Mutter. Hermoso momento de esta sonata. Beethoven y la experiencia lírica de la existencia en clave clásica.



Scherzo: allegro molto. Sonata para piano y violín en fa mayor número 5 Op 24 "Primavera". Ludwig Van Beethoven. Violín: Anne Sophie Mutter. Breve y prodigioso.



Rondo: allegro ma non troppo.Sonata para piano y violín en fa mayor número 5 Op 24 "Primavera". Ludwig Van Beethoven. Violín: Anne Sophie Mutter. Esplendor en la hierba y en el árbol del medio del paraíso.